El Renacimiento y el Vanguardismo del arte como aportes a la tecnología. El renacimiento es un despertar que desde el arte genera inquietud por la antigüedad para redescubrir el pensamiento científico que había surgido en la Jonia clásica, cuando el hombre comenzó a buscar en la propia naturaleza y no en los dioses, las causas de todos los fenómenos que observaba. Estas ideas se apagaron por mil años hasta el renacimiento y a partir de allí, Europa se entera, por los viejos textos presocráticos, que la naturaleza podía entenderse a partir de causas naturales (Vignola, 2002). Así el vanguardismo en el arte se presenta como la inquietud de búsqueda de nuevas maneras de hacer y de pensar.
Visiones de cerámica antigua
Carolina Mora y Ana María Velasco Flórez
Pregunta generadora: ¿La conducta humana y las expresiones artísticas están moldeadas por la cultura?
Un poco de historia…
La historia de la cerámica va unida a la historia de casi todos los pueblos del mundo por cuanto es expresión de su cultura, en especial de su cosmovisión y su modo de vida artístico.
La invención de la cerámica se produjo durante la revolución neolítica, cuando se hicieron necesarios recipientes para almacenar el excedente de las cosechas producido por la práctica de la agricultura. En un principio esta cerámica se modelaba a mano y se dejaba secar al sol o cerca de los fuegos tribales. Más adelante comenzó a decorarse con motivos geométricos mediante incisiones en la pasta seca. Su cada vez más compleja, perfecta y bella elaboración determinó la aparición de un nuevo oficio: el del alfarero.
A lo largo de la historia de la cerámica se utilizaron diferentes materiales, lo que marco en gran medida los diferentes tipos de cerámica que se elaboraron. A medida que las herramientas se van desarrollando y haciéndose cada vez más complejas permiten un mejor desarrollo y evolución de dicho arte. Se confirma de nuevo que hay una fuerte y estrecha relación de complementariedad entre arte y tecnología. Ejemplo de ello es la implementación del torno en la elaboración de la cerámica, la cual permitió mejorar el acabado de esta, por cuanto su cocción al horno la hizo más resistente y amplió su gama de colores y texturas.
Usos de la cerámica
La cerámica, sin embargo, no ha sido de uso estético exclusivamente. Esta ha sido utilizada por arqueólogos para la comprensión de los diferentes pueblos del pasado.
Asimismo, El análisis de estos objetos y de restos humanos encontrados en antiguas tumbas, documenta que los simples diseños que decoran una vasija de arcilla precolombina pueden ser más que un lindo diseño, como nos lo hace ver Hamilton, “La evidencia incluye trazos de cocaína y nicotina hallados en cadáveres y la abundancia de cucharas usadas para inhalar narcóticos…El uso de alucinógenos por parte de chamanes era un elemento central de sus rituales religiosos y medicinales, como también para la preservación de las estructuras de poder y la formación de alianzas políticas. (Hamilton, R.)
La cerámica se utilizó, inicialmente, como recipiente para alimentos. Luego se usó para hacer figuras de carácter mágico, religioso o funerario. También se empleo como material de construcción en forma de ladrillo, teja, baldosa o azulejo. Se utilizó, igualmente, para la escultura.
Cerámica y religión:
El hombre americano arcaico, atemorizado ante los avatares de la naturaleza, por todo aquello que era desconocido, necesita hacer comprensible lo incomprensible, necesita sentirse protegido. Las culturas antiguas se organizan entonces teocráticamente y surge la clase sacerdotal. La fe religiosa necesitará materializar sus dioses, construir centros ceremoniales y crear objetos rituales, es allí donde la cerámica empieza a desempeñar un papel importante en la religión.
Frente al arte profano tradicional representado por todas estas figurillas se perfila a través de estos objetos de culto una tendencia hacia lo religioso.
Además de estas figurillas se han encontrado vasijas antropomorfas y zoomorfas destinadas sin duda a ritos mágicos en pro de la fertilidad de los campos, la caza del pato salvaje, y la pesca. La estructura formal, totalmente distinta de estas vasijas es arquitectónica, de masa cubica.
Palabras claves
Cerámica: conjunto de productos basados en la arcilla ó el caolín transformados por la acción del fuego y que pueden ser trabajados a mano, al torno; con moldes, mediante estampado o a presión.
Religión: se refiere al conjunto de creencias o dogmas acerca de la divinidad. Implica sentimientos de veneración hacia los dioses, de normas morales para la conducta individual y social y de prácticas rituales, como la oración.
Cultura: “La cultura es el conjunto de símbolos (como valores, normas, actitudes, creencias, idiomas, costumbres, ritos, hábitos, capacidades, educación, moral, arte, etc.) y objetos (como vestimenta, vivienda, productos, obras de arte, herramientas, etc.) que son aprendidos, compartidos y transmitidos de una generación a otra por los miembros de una sociedad, por tanto, es un factor que determina, regula y moldea la conducta humana.”
Los Van Eyck, El inicio de la pintura al Óleo y la Alquimia
Nathalia Morales, Juan Sebastian Zapata.
Referencias: 1. http://www.wikipedia.com
Pregunta generadora de nosotros: ¿Que importancia tienen las técnicas creadas en los talleres artísticos de la antigüedad en los trabajos de los artistas de la actualidad?
Introducción.
En la antigüedad, cada taller artístico generaba distintas técnicas las cuales, cada uno, guardaba como un secreto. A medida que se fueron investigando nuevas cosas en la alquimia, surgió el óleo, que ofrecía nuevas opciones al pintor para crear su obra estéticamente mejor, y con muchas posibilidades en el acabado y proceso de la obra.
Óleo.
El óleo son mezclas de aceites con otras sustancias, que generan un producto ideal para trabajar en la pintura. A pesar de que el uso del óleo de conoce desde la modernidad, fue difundido por los artistas de la Edad Media.
Antes de que los artistas se dieran cuenta de las ventajas del óleo, el aceite que mas se usaba era el de Linaza que se mezclaba con pigmentos minerales que daban el colorido a las pinturas, sin embargo, cada taller tenia su propia fórmula.
Ventajas del óleo.
Permite al pintor realizar sus obras mas lentamente y sin prisas de acabado.
El pintor podía retocar la obra día a día.
Se puede variar la composición y el colorido.
Se adhiere a gran cantidad de materiales.
El usar óleo para las pinturas requiere de un proceso de preparación de lienzo o la tela sobre la que se va a pintar.
La imprimación.
Consistente en aplicar una mezcla de cola dulce, óxido de cinc y carbonato de calcio. Se pueden dar varias capas, bien con el pincel o con la espátula, dejando secar siempre la anterior y rascándola antes de la aplicación de la siguiente. Esta imprimación no debe recubrir el lienzo a modo de placa, ya que entonces no resultaría elástico y se cuartearía. Por el contrario, debe constituir un fondo muy fino.
Los hermanos Van Eyck y los pintores flamencos.
Fueron los que explotaron las posibilidades de pintura al óleo desde el siglo XV al XVI. En sus pinturas, ellos podían regular la velocidad de secado del óleo y lo usaban para generar texturas. Además, usaban resinas duras para mezclar con sus aceites.
Ellos comenzaban sus obras con un esbozo del diseño básico. Trazaban los contornos sobre la base con carboncillo o lápiz de plomo, pintando encima con pintura opaca, o lavando con una veladura delgada, dejando aún ver las marcas que más tarde se cubrirán.
Referencias: 1. http://www.wikipedia.com
Pregunta generadora de nosotros: ¿Que importancia tienen las técnicas creadas en los talleres artísticos de la antigüedad en los trabajos de los artistas de la actualidad?
Introducción.
En la antigüedad, cada taller artístico generaba distintas técnicas las cuales, cada uno, guardaba como un secreto. A medida que se fueron investigando nuevas cosas en la alquimia, surgió el óleo, que ofrecía nuevas opciones al pintor para crear su obra estéticamente mejor, y con muchas posibilidades en el acabado y proceso de la obra.
Óleo.
El óleo son mezclas de aceites con otras sustancias, que generan un producto ideal para trabajar en la pintura. A pesar de que el uso del óleo de conoce desde la modernidad, fue difundido por los artistas de la Edad Media.
Antes de que los artistas se dieran cuenta de las ventajas del óleo, el aceite que mas se usaba era el de Linaza que se mezclaba con pigmentos minerales que daban el colorido a las pinturas, sin embargo, cada taller tenia su propia fórmula.
Ventajas del óleo.
Permite al pintor realizar sus obras mas lentamente y sin prisas de acabado.
El pintor podía retocar la obra día a día.
Se puede variar la composición y el colorido.
Se adhiere a gran cantidad de materiales.
El usar óleo para las pinturas requiere de un proceso de preparación de lienzo o la tela sobre la que se va a pintar.
La imprimación.
Consistente en aplicar una mezcla de cola dulce, óxido de cinc y carbonato de calcio. Se pueden dar varias capas, bien con el pincel o con la espátula, dejando secar siempre la anterior y rascándola antes de la aplicación de la siguiente. Esta imprimación no debe recubrir el lienzo a modo de placa, ya que entonces no resultaría elástico y se cuartearía. Por el contrario, debe constituir un fondo muy fino.
Los hermanos Van Eyck y los pintores flamencos.
Fueron los que explotaron las posibilidades de pintura al óleo desde el siglo XV al XVI. En sus pinturas, ellos podían regular la velocidad de secado del óleo y lo usaban para generar texturas. Además, usaban resinas duras para mezclar con sus aceites.
Ellos comenzaban sus obras con un esbozo del diseño básico. Trazaban los contornos sobre la base con carboncillo o lápiz de plomo, pintando encima con pintura opaca, o lavando con una veladura delgada, dejando aún ver las marcas que más tarde se cubrirán.
El juicio Estético
Katherine Quintero
Stephanie Cortes
Jorge Duarte
El juicio estético el juicio estético no puede depender de un interés ajeno a la propia contemplación del objeto. De esta manera, se crea una diferenciación entre lo bello y lo bueno. Lo bello no hace referencia a un fin determinado, sino es un fin netamente formal, una conformidad a fin sin fin, independiente de la representación de lo bueno, añadiendo además, que el juicio estético no aporta conocimiento del objeto, y eso ocurre mediante el juicio lógico.
Tipos de complacencias:
• la de lo agradable, que es aquel tipo de obra que simplemente deleita, la de lo bueno, que es estimado bajo valor objetivo con atributos ajenos al juicio desinteresado,.
• lo bello como aquello que place. Sólo lo bello entra en el ámbito del auténtico juicio estético, pues es una complacencia desinteresada y libre, sin reposar en interés alguno, ni el de los sentidos, ni el de la razón, ni el de la fuerza de aprobación.
Una vez definido lo agradable como categoría inferior que no debe ser confundida con lo bello, agrega que el atractivo no conforma la belleza, y que debe vigilarse a la hora de emitir un juicio de gusto como separar la esencia.
• El juicio estético es siempre bajo conceptos subjetivos, es decir, no puede haber ninguna regla objetiva que determine por conceptos lo que fuera bello. Pues todo juicio de partir de esta fuente es estético, es decir, su fundamento de determinación es el sentimiento del sujeto y no un concepto del objeto. Existe un sentido común en tanto y que los juicios son comunicables. Hay una necesidad del asentimiento universal que es concebido en un juicio de gusto que es necesidad subjetiva, que es representada como objetiva bajo la suposición de un sentido común. Ponemos nuestro sentimiento como fundamento al calificar a algo como bello, pero no como sentimiento privado sino común.
En torno a las definiciones de lo bello, Kant deduce cuatro momentos, que vienen a resumir lo expuesto arriba. Estos son:
Definición de lo bello deducida del primer momento: Gusto es la facultad de juzgar un objeto o un modo de representación por una complacencia o displicencia sin interés alguno. El objeto de tal complacencia se llama bello.
Definición deducida del segundo momento: Bello es lo que place universalmente sin concepto. Un juicio estético cuando es referido a lo bello (no a lo agradable) tiene como objetivo una cierta universalidad.
Definición de lo bello deducida del tercer momento: Belleza es forma de la conformidad a fin de un objeto, en la medida en que sea percibida está en éste se sin la representación de un fin.
Definición de lo bello deducida del cuarto momento: Bello es lo que es conocido sin concepto como objeto de una complacencia necesaria.
Pregunta generadora: ¿Cómo el arte sirve del juicio estético como medio de expresión?
Preguntas de Opinión:
¿Se puede considerar todo lo que es bello es arte?
¿Todo lo que crea un artista es considerado bello?
¿El juicio estético influye en lo que es considerado como arte?
Stephanie Cortes
Jorge Duarte
El juicio estético el juicio estético no puede depender de un interés ajeno a la propia contemplación del objeto. De esta manera, se crea una diferenciación entre lo bello y lo bueno. Lo bello no hace referencia a un fin determinado, sino es un fin netamente formal, una conformidad a fin sin fin, independiente de la representación de lo bueno, añadiendo además, que el juicio estético no aporta conocimiento del objeto, y eso ocurre mediante el juicio lógico.
Tipos de complacencias:
• la de lo agradable, que es aquel tipo de obra que simplemente deleita, la de lo bueno, que es estimado bajo valor objetivo con atributos ajenos al juicio desinteresado,.
• lo bello como aquello que place. Sólo lo bello entra en el ámbito del auténtico juicio estético, pues es una complacencia desinteresada y libre, sin reposar en interés alguno, ni el de los sentidos, ni el de la razón, ni el de la fuerza de aprobación.
Una vez definido lo agradable como categoría inferior que no debe ser confundida con lo bello, agrega que el atractivo no conforma la belleza, y que debe vigilarse a la hora de emitir un juicio de gusto como separar la esencia.
• El juicio estético es siempre bajo conceptos subjetivos, es decir, no puede haber ninguna regla objetiva que determine por conceptos lo que fuera bello. Pues todo juicio de partir de esta fuente es estético, es decir, su fundamento de determinación es el sentimiento del sujeto y no un concepto del objeto. Existe un sentido común en tanto y que los juicios son comunicables. Hay una necesidad del asentimiento universal que es concebido en un juicio de gusto que es necesidad subjetiva, que es representada como objetiva bajo la suposición de un sentido común. Ponemos nuestro sentimiento como fundamento al calificar a algo como bello, pero no como sentimiento privado sino común.
En torno a las definiciones de lo bello, Kant deduce cuatro momentos, que vienen a resumir lo expuesto arriba. Estos son:
Definición de lo bello deducida del primer momento: Gusto es la facultad de juzgar un objeto o un modo de representación por una complacencia o displicencia sin interés alguno. El objeto de tal complacencia se llama bello.
Definición deducida del segundo momento: Bello es lo que place universalmente sin concepto. Un juicio estético cuando es referido a lo bello (no a lo agradable) tiene como objetivo una cierta universalidad.
Definición de lo bello deducida del tercer momento: Belleza es forma de la conformidad a fin de un objeto, en la medida en que sea percibida está en éste se sin la representación de un fin.
Definición de lo bello deducida del cuarto momento: Bello es lo que es conocido sin concepto como objeto de una complacencia necesaria.
Pregunta generadora: ¿Cómo el arte sirve del juicio estético como medio de expresión?
Preguntas de Opinión:
¿Se puede considerar todo lo que es bello es arte?
¿Todo lo que crea un artista es considerado bello?
¿El juicio estético influye en lo que es considerado como arte?
El Renacimiento y el Vanguardismo del arte como aportes a la tecnología Kandinsky y la Bau Haus
Daniela López Rodriguez, Rafael Sterling, Sebastian Galeano
Segun Heinrich von Eckardt la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: “desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo”.
"La Escuela Bauhaus" se asento en tres ciudades:
• Weimar (1919 – 1925)
• Dessau (1925 – 1932)
• Berlin (1932 – 1933)
Uno de los principios establecidos por la Bauhaus desde su fundación fue:
" La forma sigue a la función"
Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, la Bauhaus no se marginó de los procesos políticos-sociales, manteniendo un alto grado de contenido crítico y compromiso de izquierda.
Se puede dividir la historia de esta escuela en tres epocas y una ultima conciderada la nueva Bauhaus.
Primera epoca ( 1919-1923)
En el momento de su fundación los objetivos de la escuela, definidos por Walter Gropius en un manifiesto, fueron: "La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público"
La primera etapa de la Bauhaus se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, productos y diseños y, por lo tanto, también de educadores del diseño
Segunda epoca (1923-1925)
Se sustituye la anterior tendencia expresionista por la Nueva Objetividad, un estilo también expresionista de pintura aunque mucho más sobrio que se estaba imponiendo en toda Alemania en la epoca.
Tercera epoca (1925-1933)
En 1933 el partido nazi decide cerrar la escuela por lo que Ludwig Mies van der Rohe traslada la Bauhaus a Berlín con fondos ganados de la ilegalidad del cierre de contratos.
La nueva Bauhaus
Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría. En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm (República Federal Alemana) la Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación), que recupera pronto la denominación de Bauhaus o, para diferenciarla de la inicial, Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus).
Vasily Vasílievich Kandinsky
Fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.
Periodo en la Bauhaus
En 1922 se traslada a Weimar (Alemania), donde imparte clases teóricas para la Escuela de la Bauhaus. En 1926 se publica su libro Punto y línea sobre el plano. Contribución al análisis de los elementos pictóricos. Una continuación orgánica de su trabajo anterior De lo espiritual en el arte (el cual enuncia una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella). Permanecerá en la Bauhaus hasta el año 1933 cuando el Tercer Reich clausura la institución.
Segun Heinrich von Eckardt la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: “desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo”.
"La Escuela Bauhaus" se asento en tres ciudades:
• Weimar (1919 – 1925)
• Dessau (1925 – 1932)
• Berlin (1932 – 1933)
Uno de los principios establecidos por la Bauhaus desde su fundación fue:
" La forma sigue a la función"
Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, la Bauhaus no se marginó de los procesos políticos-sociales, manteniendo un alto grado de contenido crítico y compromiso de izquierda.
Se puede dividir la historia de esta escuela en tres epocas y una ultima conciderada la nueva Bauhaus.
Primera epoca ( 1919-1923)
En el momento de su fundación los objetivos de la escuela, definidos por Walter Gropius en un manifiesto, fueron: "La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público"
La primera etapa de la Bauhaus se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, productos y diseños y, por lo tanto, también de educadores del diseño
Segunda epoca (1923-1925)
Se sustituye la anterior tendencia expresionista por la Nueva Objetividad, un estilo también expresionista de pintura aunque mucho más sobrio que se estaba imponiendo en toda Alemania en la epoca.
Tercera epoca (1925-1933)
En 1933 el partido nazi decide cerrar la escuela por lo que Ludwig Mies van der Rohe traslada la Bauhaus a Berlín con fondos ganados de la ilegalidad del cierre de contratos.
La nueva Bauhaus
Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría. En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm (República Federal Alemana) la Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación), que recupera pronto la denominación de Bauhaus o, para diferenciarla de la inicial, Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus).
Vasily Vasílievich Kandinsky
Fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.
Periodo en la Bauhaus
En 1922 se traslada a Weimar (Alemania), donde imparte clases teóricas para la Escuela de la Bauhaus. En 1926 se publica su libro Punto y línea sobre el plano. Contribución al análisis de los elementos pictóricos. Una continuación orgánica de su trabajo anterior De lo espiritual en el arte (el cual enuncia una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella). Permanecerá en la Bauhaus hasta el año 1933 cuando el Tercer Reich clausura la institución.
Picasso y el cine. La imagen y el tiempo, la Cinematografia.- Elaboración propia
Alejandra Arias
Ana María Martínez
Diego Rodríguez
La relacion entre el cubismo y la cinematografia es basada por la dinamica y el movimiento en la imagen. En efecto, entrando ya en el siglo XX, Pablo Pícasso revolucionó la vision del realismo de la epoca y del impresionismo: al crear el cubismo, se encontró una nueva froma de revelar el moviemiento en la pintura. Esta perpectiva tambien es reflejada en el cine ya que la imagen proyectada es una organización de iluminacion, color y formas: es materialidad en la ilusion de la imagen.
PRESENTACION DE PABLO PICASSO
Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras sobrevivientes en museos de toda Europa y el mundo.
Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de octubre de 1881 - Mougins, Francia, 8 de marzo de 1972), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español; creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.
Las señoritas de Aviñón imprimió un nuevo punto de partida para Picasso, que eliminó las referencias a la tradición rompiendo con el Realismo, abandonando los cánones de profundidad espacial y perspectiva, así como el ideal hasta entonces existente del cuerpo femenino, al reducir la obra a un conjunto de planos angulares, sin fondo delimitado ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su más amable época rosa, pero la crudeza del cuadro los convierte en agresivos.
EL CUBISMO
Teniendo Las señoritas de Aviñón como punto de partida, Braque y Picasso acabaron formulando el Cubismo en 1908. El Cubismo fue un punto de inflexión radical en la historia del arte que inspiró al resto de vanguardias artísticas, el abandono del ilusionismo pictórico, rechazando la descripción naturalista en beneficio de composiciones de formas abstraídas de la percepción convencional, jugando con la tridimensionalidad y la estructura de las superficies.[] Esta técnica, iniciada por Picasso y Braque, tuvo muchos seguidores, como Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay y Albert Gleizes.
Ambos artistas comenzaron a representar la sensación de relieve mediante la aplicación arbitraria de las luces y sombras en detrimento del sombreado naturalista; las formas se simplificaron al extremo, con una mayor y más profunda esculturalidad en los cuadros de Picasso, cuya paleta se restringió a una gama de marrones, grises y verdes.[]El cubismo adopta la imagen proyectada como forma y también como concepto y proceso. De hecho, este movimiento artisitco registra la velocidad y la imagen en movimiento a través de planos contrapuestos en distintos ángulos y una composición "prismática" o "desmembrada" que el espectador, como una cámara de cine, debía recomponer en el ojo.
Si para Picasso y Braque el cine era una ilusión del espacio que sólo existe en el tiempo, el Cubismo era una ilusión del tiempo que sólo existe en el espacio físico del plano pictórico.
LA IMAGEN Y EL CINE
En cuanto al proceso, se podría afirmar que los ángulos de la cámara, la iluminación, las sombras proyectadas en los escenarios, las disoluciones de escenas y las técnicas de edición del cine se hacen evidentes en las imágenes segmentadas del Cubismo.
Glimcher tenía la intuición de que las múltiples perspectivas e imágenes fragmentadas del Cubismo le debían mucho a las películas que ambos artistas vieron en París, la ciudad de los hermanos Lumiére y donde nació la experiencia moderna de "ir al cine".
Si bien el Cubismo no representa la primera vez que la pintura se ocupa de la reproducción mecánica, si es la primera vez que un movimiento artístico aborda la imagen en movimiento, según explica Rose en un ensayo del catálogo que acompaña a la exposición.
Picasso y Braque no sólo se embebían de las películas, sino que competían con ellas, al crear modernidad al mismo tiempo que defendían valientemente la pintura de la amenaza que enfrentaba.“La pintura siempre buscó sugerir movimiento y, de repente, aquí estaba el movimiento”
Por otra parte, el cine abstracto y cine puro es descrito como la organización y la orquestación de las formas, el color, etc, son los problemas que enfrentaron los cubistas y los futuristas.
La conexión con el teatro y la literatura quedó completamente cortada.
La denominación de puro provenía de una serie de artículos publicados en 1925 por el abate Henri Bremond, en los que preocupándose por los aspectos no narrativos del lenguaje sostenía que en la poesía ni el sentido ni el tema ni la lógica racional ni la historia eran necesarios.
Henri Chomette dice: "el cine no debe limitarse al mundo representativo. Puede crear, ya ha creado, un ritmo, gracias al cual el cine puede extraer de sí mismo una nueva potencialidad, que deja tras la lógica de los eventos y la realidad de los objetos, engendrando una serie de visiones que son desconocidas, inconcebibles fuera de la unión de las lentes y del rollo de película que se mueve. Éste cine estás separado de los elementos dramáticos o documentales.
Proviene de aquellos realizadores o pensadores franceses que logran un cierto reconocimiento cultural y artístico para el cine. Una nueva estética visual desmarcará el cine narrativo convencional. El rechaza a la narración institucional cinematográfica y la búsqueda de una esencialidad visual para los films serán dos de las más sólidas premisas de las prácticas vanguardistas.
La diferencia fundamental entre la vanguardia cinematográfica y los otros movimientos artísticos de vanguardia es que la primera posee un cierto papel de reivindicación cultural. Hay que indicar que este factor reviste de un enorme grado de heterogeneidad, por lo cual cualquier taxonomía de las prácticas vanguardistas pecará de zonas oscuras y fronteras imprecisas.
Este cine oculta la materialidad de las formas de su sistema de representación en beneficio del ilusionismo, de la fluidez de lo representado y pone el acento sobre el proceso de creación formal, sobre los riesgos y ventajas de manejar a pecho descubierto los elementos formales sin someterlos a exigencias narrativas, rompe la relación de la obra con el objeto representado y descalifica la profundidad de campo y no por la acción del artista
CONCLUSIONES
En las obras que pintó en Horta los árboles y formas naturales fueron obviadas, y la roca superficialmente amorfa fue analizada y rota en planos para luego reconstruirla mediante la superposición de los planos; en algunos casos la geometrización se extiende al cielo, y el conjunto ofrece una composición rigurosa con una profundidad que no envidia a la perspectiva tradicional. El uso de la luz es completamente arbitrario, usado estrictamente para acentuar los contornos y afilar los relieves. No obstante, el cubismo analítico es todavía una revisión y no un rechazo de la tradición; el cuadro sigue siendo una ventana ilusoria a un mundo representado, reconstruido. El cubismo sintético constituirá una negación de la tradición europea; el collage romperá la inviolabilidad de la superficie del cuadro y la representación de la realidad dejará de ser el objetivo del cuadro para ser su punto de partida.[]
LA PREGUNTA GENERADORA DE DISCUSIÓN:
¿Qué relacion podemos encontrar entre las obras de Picasso y los elementos fundamentales del cine?
Bibliografía
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/picasso.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso
http://www.elmundo.es/elmundo/2007/05/19/cultura/1179566711.html
Ana María Martínez
Diego Rodríguez
La relacion entre el cubismo y la cinematografia es basada por la dinamica y el movimiento en la imagen. En efecto, entrando ya en el siglo XX, Pablo Pícasso revolucionó la vision del realismo de la epoca y del impresionismo: al crear el cubismo, se encontró una nueva froma de revelar el moviemiento en la pintura. Esta perpectiva tambien es reflejada en el cine ya que la imagen proyectada es una organización de iluminacion, color y formas: es materialidad en la ilusion de la imagen.
PRESENTACION DE PABLO PICASSO
Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras sobrevivientes en museos de toda Europa y el mundo.
Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de octubre de 1881 - Mougins, Francia, 8 de marzo de 1972), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español; creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.
Las señoritas de Aviñón imprimió un nuevo punto de partida para Picasso, que eliminó las referencias a la tradición rompiendo con el Realismo, abandonando los cánones de profundidad espacial y perspectiva, así como el ideal hasta entonces existente del cuerpo femenino, al reducir la obra a un conjunto de planos angulares, sin fondo delimitado ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su más amable época rosa, pero la crudeza del cuadro los convierte en agresivos.
EL CUBISMO
Teniendo Las señoritas de Aviñón como punto de partida, Braque y Picasso acabaron formulando el Cubismo en 1908. El Cubismo fue un punto de inflexión radical en la historia del arte que inspiró al resto de vanguardias artísticas, el abandono del ilusionismo pictórico, rechazando la descripción naturalista en beneficio de composiciones de formas abstraídas de la percepción convencional, jugando con la tridimensionalidad y la estructura de las superficies.[] Esta técnica, iniciada por Picasso y Braque, tuvo muchos seguidores, como Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay y Albert Gleizes.
Ambos artistas comenzaron a representar la sensación de relieve mediante la aplicación arbitraria de las luces y sombras en detrimento del sombreado naturalista; las formas se simplificaron al extremo, con una mayor y más profunda esculturalidad en los cuadros de Picasso, cuya paleta se restringió a una gama de marrones, grises y verdes.[]El cubismo adopta la imagen proyectada como forma y también como concepto y proceso. De hecho, este movimiento artisitco registra la velocidad y la imagen en movimiento a través de planos contrapuestos en distintos ángulos y una composición "prismática" o "desmembrada" que el espectador, como una cámara de cine, debía recomponer en el ojo.
Si para Picasso y Braque el cine era una ilusión del espacio que sólo existe en el tiempo, el Cubismo era una ilusión del tiempo que sólo existe en el espacio físico del plano pictórico.
LA IMAGEN Y EL CINE
En cuanto al proceso, se podría afirmar que los ángulos de la cámara, la iluminación, las sombras proyectadas en los escenarios, las disoluciones de escenas y las técnicas de edición del cine se hacen evidentes en las imágenes segmentadas del Cubismo.
Glimcher tenía la intuición de que las múltiples perspectivas e imágenes fragmentadas del Cubismo le debían mucho a las películas que ambos artistas vieron en París, la ciudad de los hermanos Lumiére y donde nació la experiencia moderna de "ir al cine".
Si bien el Cubismo no representa la primera vez que la pintura se ocupa de la reproducción mecánica, si es la primera vez que un movimiento artístico aborda la imagen en movimiento, según explica Rose en un ensayo del catálogo que acompaña a la exposición.
Picasso y Braque no sólo se embebían de las películas, sino que competían con ellas, al crear modernidad al mismo tiempo que defendían valientemente la pintura de la amenaza que enfrentaba.“La pintura siempre buscó sugerir movimiento y, de repente, aquí estaba el movimiento”
Por otra parte, el cine abstracto y cine puro es descrito como la organización y la orquestación de las formas, el color, etc, son los problemas que enfrentaron los cubistas y los futuristas.
La conexión con el teatro y la literatura quedó completamente cortada.
La denominación de puro provenía de una serie de artículos publicados en 1925 por el abate Henri Bremond, en los que preocupándose por los aspectos no narrativos del lenguaje sostenía que en la poesía ni el sentido ni el tema ni la lógica racional ni la historia eran necesarios.
Henri Chomette dice: "el cine no debe limitarse al mundo representativo. Puede crear, ya ha creado, un ritmo, gracias al cual el cine puede extraer de sí mismo una nueva potencialidad, que deja tras la lógica de los eventos y la realidad de los objetos, engendrando una serie de visiones que son desconocidas, inconcebibles fuera de la unión de las lentes y del rollo de película que se mueve. Éste cine estás separado de los elementos dramáticos o documentales.
Proviene de aquellos realizadores o pensadores franceses que logran un cierto reconocimiento cultural y artístico para el cine. Una nueva estética visual desmarcará el cine narrativo convencional. El rechaza a la narración institucional cinematográfica y la búsqueda de una esencialidad visual para los films serán dos de las más sólidas premisas de las prácticas vanguardistas.
La diferencia fundamental entre la vanguardia cinematográfica y los otros movimientos artísticos de vanguardia es que la primera posee un cierto papel de reivindicación cultural. Hay que indicar que este factor reviste de un enorme grado de heterogeneidad, por lo cual cualquier taxonomía de las prácticas vanguardistas pecará de zonas oscuras y fronteras imprecisas.
Este cine oculta la materialidad de las formas de su sistema de representación en beneficio del ilusionismo, de la fluidez de lo representado y pone el acento sobre el proceso de creación formal, sobre los riesgos y ventajas de manejar a pecho descubierto los elementos formales sin someterlos a exigencias narrativas, rompe la relación de la obra con el objeto representado y descalifica la profundidad de campo y no por la acción del artista
CONCLUSIONES
En las obras que pintó en Horta los árboles y formas naturales fueron obviadas, y la roca superficialmente amorfa fue analizada y rota en planos para luego reconstruirla mediante la superposición de los planos; en algunos casos la geometrización se extiende al cielo, y el conjunto ofrece una composición rigurosa con una profundidad que no envidia a la perspectiva tradicional. El uso de la luz es completamente arbitrario, usado estrictamente para acentuar los contornos y afilar los relieves. No obstante, el cubismo analítico es todavía una revisión y no un rechazo de la tradición; el cuadro sigue siendo una ventana ilusoria a un mundo representado, reconstruido. El cubismo sintético constituirá una negación de la tradición europea; el collage romperá la inviolabilidad de la superficie del cuadro y la representación de la realidad dejará de ser el objetivo del cuadro para ser su punto de partida.[]
LA PREGUNTA GENERADORA DE DISCUSIÓN:
¿Qué relacion podemos encontrar entre las obras de Picasso y los elementos fundamentales del cine?
Bibliografía
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/picasso.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso
http://www.elmundo.es/elmundo/2007/05/19/cultura/1179566711.html
CeZanne, Van Gogh, La Luz, El Color Y la pintura
Andrés Hernández Diana rojasJulián Andrés botero
El Color:
es un grupo de reglas básicas en la mezcla de colores para conseguir el efecto deseado combinando colores de luz o pigmento.
La Teoría del color que propone Wilhelm Ostwald consta de cuatro sensaciones cromáticas elementales (amarillo, rojo, azul y verde) y dos sensaciones acromáticas con sus variaciones intermedias. Sensación cromática: crea una sensación visual que puede generar ciertos estímulos en las personas.
Modelo RYB (red, yellow, blue)
Según esta modelo el rojo, amarillo y el azul son los colores son los colores primarios, y el resto de colores se derivan de la combinación de estos colores.
Es utilizado en pinturas tradicionales y conceptos de arte. Se reconoció que este modelo no puede dar todos los colores posibles
La luz:
La luz es la clase de energía electromagnética radiante que puede ser percibida por el ojo humano
Características y efectos de la luz: Velocidad finita
Refracción: es el cambio brusco de dirección que sufre la luz al cambiar de medio.
Propagación y difracción: Se propaga en línea Recta. De la propagación de la luz y su encuentro con objetos surgen las Sombras
Interferencia
El Impresionismo:
El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino.
El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa.
El Impresionismo parten del análisis de la realidad. Hasta ahora la pintura reproducía un escenario en el que ocurría un acontecimiento que conformaba el mensaje para el espectador. Ahora, se quiere que la obra reproduzca la percepción visual del autor en un momento determinado, la luz y el color real que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla. Se centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los contornos. Ven colores que conforman cosas, y esto es lo que plasman, formas compuestas por colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz. Todo esto hace que elaboren una serie de un mismo objeto en diferentes circunstancias atmosféricas y temporales, no les importa el objeto, sino las variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día.
Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios (azul, rojo y amarillo) y los complementarios (naranja, verde y violeta). Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas.
Vicente Van Gogh:
Neo-Impresionista
Influenciado por Hiroshige y Hokusai, japoneses grabadores. Camille Pissarro y Georges Seurat, franceses.
Desarrollo de su obra en el periodo holandés.
Comprometido con las clases humildes, conocimiento del medio rural, amor a la naturaleza.
De allí nace la necesidad de crear obras realistas que mostraran precisamente la realidad de las clases más humildes.
Uso del paisajismo.
Colores tierras que dan aspecto de oscuridad
Paul Cézanne:
Intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico abstracto.
Manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo.
Mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento.
Estaba distanciado incluso de su familia, que tachaba su comportamiento de extraño y no apreciaba el carácter revolucionario de su arte.
Luchó por desarrollar una observación auténtica del mundo visible a través del método más exacto de representarlo en pintura que podía encontrar.
Pretendía atrapar de los efectos lumínicos fugaces así como su interpretación visual, también efímera, de la naturaleza.
Fue simplificando de modo gradual la aplicación de la pintura hasta el punto de que parecía lograr expresar el volumen con sólo unas cuantas pinceladas de color yuxtapuestas.
Reintrodujo una estructura formal que los impresionistas habían abandonado, sin sacrificar por ello la sensación y vivacidad lumínica lograda por ellos.
Pregunta generadora
¿Cómo los aportes de estos dos artistas pueden ayudar a entender el arte como fuente de desarrollo tecnológico y social?
BIBLIOGRAFIA
http://www.arteespana.com/impresionismo.htm
. http://www.youtube.com/watch?v=O5tKG39G6Qk
http://www.vangoghgallery.com/
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=213
http://www.youtube.com/watch?v=PRmqLsbN6Sw&feature=related
El Color:
es un grupo de reglas básicas en la mezcla de colores para conseguir el efecto deseado combinando colores de luz o pigmento.
La Teoría del color que propone Wilhelm Ostwald consta de cuatro sensaciones cromáticas elementales (amarillo, rojo, azul y verde) y dos sensaciones acromáticas con sus variaciones intermedias. Sensación cromática: crea una sensación visual que puede generar ciertos estímulos en las personas.
Modelo RYB (red, yellow, blue)
Según esta modelo el rojo, amarillo y el azul son los colores son los colores primarios, y el resto de colores se derivan de la combinación de estos colores.
Es utilizado en pinturas tradicionales y conceptos de arte. Se reconoció que este modelo no puede dar todos los colores posibles
La luz:
La luz es la clase de energía electromagnética radiante que puede ser percibida por el ojo humano
Características y efectos de la luz: Velocidad finita
Refracción: es el cambio brusco de dirección que sufre la luz al cambiar de medio.
Propagación y difracción: Se propaga en línea Recta. De la propagación de la luz y su encuentro con objetos surgen las Sombras
Interferencia
El Impresionismo:
El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino.
El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa.
El Impresionismo parten del análisis de la realidad. Hasta ahora la pintura reproducía un escenario en el que ocurría un acontecimiento que conformaba el mensaje para el espectador. Ahora, se quiere que la obra reproduzca la percepción visual del autor en un momento determinado, la luz y el color real que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla. Se centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los contornos. Ven colores que conforman cosas, y esto es lo que plasman, formas compuestas por colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz. Todo esto hace que elaboren una serie de un mismo objeto en diferentes circunstancias atmosféricas y temporales, no les importa el objeto, sino las variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día.
Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios (azul, rojo y amarillo) y los complementarios (naranja, verde y violeta). Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas.
Vicente Van Gogh:
Neo-Impresionista
Influenciado por Hiroshige y Hokusai, japoneses grabadores. Camille Pissarro y Georges Seurat, franceses.
Desarrollo de su obra en el periodo holandés.
Comprometido con las clases humildes, conocimiento del medio rural, amor a la naturaleza.
De allí nace la necesidad de crear obras realistas que mostraran precisamente la realidad de las clases más humildes.
Uso del paisajismo.
Colores tierras que dan aspecto de oscuridad
Paul Cézanne:
Intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico abstracto.
Manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo.
Mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento.
Estaba distanciado incluso de su familia, que tachaba su comportamiento de extraño y no apreciaba el carácter revolucionario de su arte.
Luchó por desarrollar una observación auténtica del mundo visible a través del método más exacto de representarlo en pintura que podía encontrar.
Pretendía atrapar de los efectos lumínicos fugaces así como su interpretación visual, también efímera, de la naturaleza.
Fue simplificando de modo gradual la aplicación de la pintura hasta el punto de que parecía lograr expresar el volumen con sólo unas cuantas pinceladas de color yuxtapuestas.
Reintrodujo una estructura formal que los impresionistas habían abandonado, sin sacrificar por ello la sensación y vivacidad lumínica lograda por ellos.
Pregunta generadora
¿Cómo los aportes de estos dos artistas pueden ayudar a entender el arte como fuente de desarrollo tecnológico y social?
BIBLIOGRAFIA
http://www.arteespana.com/impresionismo.htm
. http://www.youtube.com/watch?v=O5tKG39G6Qk
http://www.vangoghgallery.com/
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=213
http://www.youtube.com/watch?v=PRmqLsbN6Sw&feature=related
Santiago Espeche, Arte hecho desde el cielo. (La imagen satelital).
El argentino Santiago Espeche lleva a Nueva York una muestra de imágenes de la Antártida tomadas por satélite. Hernán Di Bello Agencia EFE Buenos Aires. Lejos de constituir información pura y dura para uso científico, las imágenes captadas desde el cielo se han convertido en un lienzo virtual para un joven argentino que esta semana viaja a Nueva York con una muestra de arte satelital. "Esto es arte, pero nunca deja de ser ciencia", explica Santiago Espeche, quien desde hace varios años se dedica a descubrir figuras y a dejarse llevar por la imaginación al contemplar cómo se ve la tierra desde el cielo. Con imágenes de la Antártida tomadas por el satélite argentino SAC-C, Esteche montó "Lágrimas del deshielo", exposición que mañana abrirá sus puertas al público en la galería de arte del consulado argentino en la ciudad de Nueva York. "Para esta serie elegí una forma metafórica de hablar de un tema muy difícil, que es el deshielo como uno de los efectos del calentamiento global. No me gusta la denuncia tajante, sino más bien la sutileza", expresó el creador, de 34 años. Esteche relató que el arte satelital entró en su vida cuando, poco después de comenzar a trabajar como empleado administrativo en la Comisión Nacional de Actividades Espaciales (Conae) de la Argentina, le "ofrecieron aprender a procesar imágenes captadas por satélites". "Hice una capacitación intensiva -agregó- y después seguí perfeccionándome. En 2002 firmé un convenio con la Conae para poder obtener y difundir imágenes satelitales en ambientes no convencionales e hice mi primera muestra dos años después". Vista aérea. En Nueva York, Esteche expondrá imágenes en papel fotográfico, pero también ha usado lona como soporte y dijo que tiene planeado presentar su próximo trabajo "en formato digital, seguramente con pantallas de plasma colgadas en la pared". Explicó que "Lágrimas del deshielo" se complementa con la proyección de "un video que comienza con el lanzamiento del satélite SAC-C e imágenes que tomó desde el año 2000, tanto de la Antártida como de otros lugares del mundo". Un padre diplomático y una familia que le "inculcó mucho el arte" le permitieron a Esteche "conocer el mundo desde pequeño" y comenzar "a escribir a los ocho años", para luego dedicarse a la música y a la pintura, pasiones que no ha abandonado con el paso del tiempo. "Estuve meses analizando imágenes satelitales y encontré una paleta muy rica, por lo que pensé: aquí hay arte, hay que explotarlo. La variedad de tonos me la da la variedad del suelo, tanto desde su topografía como desde la energía que irradian los elementos", sostuvo. Con vistas aéreas de lagos, costas o montañas, el creador da vida a un elefante, un camello o un pez y se vale del contorno de una de las Malvinas para referirse al reclamo argentino por la soberanía de esas islas del Atlántico Sur que hoy están en poder del Reino Unido. "Lo que para un estudioso de la tierra es información para mí es, además de eso, una infinita posibilidad de juego artístico", recalca Espeche. ¿Ciencias duras? Si bien reconoce que no son muchos, Esteche dice que "hay otros artistas satelitales desperdigados por el mundo" y él se ubica entre quienes hacen "neofiguración, que es encontrar una figura, tomar las imágenes y darles un concepto". "La agencia espacial estadounidense Nasa tiene un sitio de Internet con imágenes de todo el mundo planteadas como arte porque estéticamente son muy bellas y hay un oceanógrafo argentino que hizo un trabajo muy interesante con las corrientes marinas", detalla. La muestra en el consulado argentino en Nueva York permanecerá abierta hasta el 26 de este mes y en mayo el artista tiene previsto montar otra exposición en Miami, mientras que en agosto próximo sus trabajos recalarán en Buenos Aires. Como integrante de "una generación a la que las ciencias duras se las enseñaron con dureza", Santiago Espeche tiene la "esperanza de que en poco tiempo haya miles de artistas satelitales" y recomienda utilizar el programa informático Google Earth "como herramienta".
Daguerre y la fotografía.
Louis Daguerre, mas conocido como Louis Jacques Mandé Daguerre (1787-1851), fue el primer divulgador de la fotografía. Era pintor y decorador teatral. Nació en Cormeilles-en-Parisis, Valle del Oise el 18 de noviembre de 1787 y murió el 10 de julio de 1851 en Bry-sur-Marne (Valle del Marne).
Descubrimiento [editar]Daguerre seguía con sumo interés los descubrimientos que acerca de la fotografía se realizaban en aquella época, se servía de la cámara oscura para hacer la maqueta de sus vastas composiciones, y empezó a ocuparse seriamente en reproducir sus trabajos. Hizo algunos ensayos con sustancias fosforescentes, pero la imagen era fugaz y visible tan solo en la oscuridad. Daguerre trabajó en numerosas ocasiones con los ópticos Chevalier. El óptico Chevalier le puso en contacto con Joseph Nicéphore Niépce. El 5 de diciembre de 1829 firmaron un contrato de sociedad, en el que Daguerre reconocía que Niepce "había encontrado un nuevo procedimiento para fijar, sin necesidad de recurrir al dibujo, las vistas que ofrece la naturaleza". Fueron varios días los que Daguerre y Niepce estuvieron trabajando juntos. Cada uno informaba al otro sobre sus trabajos, a veces con recelo, otras veces con más espontaneidad. Trabajaban con placas sensibles de plata, cobre y cristal. Hacían uso de vapores para ennegrecer la imagen.Sin volver a verse, al morir Niépce en 1833, Daguerre continuó investigando. Más tarde, en 1835, hizo un descubrimiento importante por accidente. Puso una placa expuesta en su armario químico y encontró después de unos días, que se había convertido en una imagen latente. Daguerre perfeccionó el daguerrotipo hasta 1837. El daguerrotipo consiste en una cámara oscura con lente y una placa de cobre con una capa sensible de nitrato de plata. Tras una exposición a una fuente de luz, sobre esta capa se extendía una base caliente de sal común y se revelaba con vapor de mercurio, para obtener la imagen.Hay que decir que no se podían sacar copias de las exposiciones, solo repitiendo el daguerrotipo, además de eso los tiempos de exposición eran largos (60-90 segundos) y el vapor de mercurio es dañino para la salud. También se realizaron avances como la obtención de imágenes más brillantes, aumentar la sensibilidad de las placas y se enriquecieron los tonos dorando las placas.
La primer persona fotografiada [editar]La primera fotografía, de una persona se tomo en 1838. Se la puede ver levantando una pierna mientras le limpian las botas. A pesar de que la calle era muy transitada, llamativamente en la imagen se ve solo a un hombre. Curiosamente en ese mismo instante por esa avenida circulaban varias personas y carruajes, sin embargo el hombre que sale reflejado en la primera fotografía fue el único que apareció, a causa de quedarse quieto el tiempo suficiente mientras le limpiaban las botas, como para impresionar la fotografía para los 10 minutos de exposición que Louis había configurado.
Presentación pública del invento [editar]El 7 de enero de 1839, en la Academia de las Ciencias en París presentó públicamente el invento. Posteriormente, el Estado francés compró el invento por una pensión vitalicia anual de 6.000 francos para Daguerre y otra de 4.000 francos para el hijo de Joseph Niépce, con el objetivo de poner a disposición de la ciudadanía el invento, lo cual permitió que el uso del daguerrotipo se extendiera por toda Europa y los Estados Unidos.
Ventajas del daguerrotipo [editar]Con la aportación de Daguerre, se consiguió reducir a un período comprendido entre los cinco y los cuarenta minutos el tiempo necesario para la toma de imágenes, frente a las dos horas necesarias con el procedimiento de Niépce, lo cual suponía un salto enorme en quince años.A partir de este momento Daguerre comienza a trabajar en la mejora del procedimiento químico con el empleo del yoduro de plata y el vapor de mercurio, así como con la disolución del yoduro residual en una solución caliente a base de sal común.De este mismo año es el daguerrotipo más antiguo conocido. Bajo el nombre de Composición nos encontramos ante un bodegón de diversos objetos que presenta una imagen más volumétrica, con mayor profundidad y mejores relieves.Durante los años 1838 y 1839 se dedicó a promocionar el invento por diversos medios como su intento de crear una sociedad de explotación por suscripción pública que fracasó o las operaciones de tomas de vistas realizadas por las calles de París. Gracias a sus actuaciones logró contactar con François Aragó, científico y político liberal, quien en el año 1839 presentó ante la Academia de Ciencias Francesa públicamente el invento.Daguerre logró un reconocimiento unánime por todo el mundo, recibiendo nombramientos de academias extranjeras y condecoraciones francesas y extranjeras, ocultando los verdaderos logros de Joseph Nicéphore Niépce como predecesor de sus investigaciones. Poco a poco la verdad se fue conociendo y finalmente acabó reconociendo las aportaciones de Niépce.
Descubrimiento [editar]Daguerre seguía con sumo interés los descubrimientos que acerca de la fotografía se realizaban en aquella época, se servía de la cámara oscura para hacer la maqueta de sus vastas composiciones, y empezó a ocuparse seriamente en reproducir sus trabajos. Hizo algunos ensayos con sustancias fosforescentes, pero la imagen era fugaz y visible tan solo en la oscuridad. Daguerre trabajó en numerosas ocasiones con los ópticos Chevalier. El óptico Chevalier le puso en contacto con Joseph Nicéphore Niépce. El 5 de diciembre de 1829 firmaron un contrato de sociedad, en el que Daguerre reconocía que Niepce "había encontrado un nuevo procedimiento para fijar, sin necesidad de recurrir al dibujo, las vistas que ofrece la naturaleza". Fueron varios días los que Daguerre y Niepce estuvieron trabajando juntos. Cada uno informaba al otro sobre sus trabajos, a veces con recelo, otras veces con más espontaneidad. Trabajaban con placas sensibles de plata, cobre y cristal. Hacían uso de vapores para ennegrecer la imagen.Sin volver a verse, al morir Niépce en 1833, Daguerre continuó investigando. Más tarde, en 1835, hizo un descubrimiento importante por accidente. Puso una placa expuesta en su armario químico y encontró después de unos días, que se había convertido en una imagen latente. Daguerre perfeccionó el daguerrotipo hasta 1837. El daguerrotipo consiste en una cámara oscura con lente y una placa de cobre con una capa sensible de nitrato de plata. Tras una exposición a una fuente de luz, sobre esta capa se extendía una base caliente de sal común y se revelaba con vapor de mercurio, para obtener la imagen.Hay que decir que no se podían sacar copias de las exposiciones, solo repitiendo el daguerrotipo, además de eso los tiempos de exposición eran largos (60-90 segundos) y el vapor de mercurio es dañino para la salud. También se realizaron avances como la obtención de imágenes más brillantes, aumentar la sensibilidad de las placas y se enriquecieron los tonos dorando las placas.
La primer persona fotografiada [editar]La primera fotografía, de una persona se tomo en 1838. Se la puede ver levantando una pierna mientras le limpian las botas. A pesar de que la calle era muy transitada, llamativamente en la imagen se ve solo a un hombre. Curiosamente en ese mismo instante por esa avenida circulaban varias personas y carruajes, sin embargo el hombre que sale reflejado en la primera fotografía fue el único que apareció, a causa de quedarse quieto el tiempo suficiente mientras le limpiaban las botas, como para impresionar la fotografía para los 10 minutos de exposición que Louis había configurado.
Presentación pública del invento [editar]El 7 de enero de 1839, en la Academia de las Ciencias en París presentó públicamente el invento. Posteriormente, el Estado francés compró el invento por una pensión vitalicia anual de 6.000 francos para Daguerre y otra de 4.000 francos para el hijo de Joseph Niépce, con el objetivo de poner a disposición de la ciudadanía el invento, lo cual permitió que el uso del daguerrotipo se extendiera por toda Europa y los Estados Unidos.
Ventajas del daguerrotipo [editar]Con la aportación de Daguerre, se consiguió reducir a un período comprendido entre los cinco y los cuarenta minutos el tiempo necesario para la toma de imágenes, frente a las dos horas necesarias con el procedimiento de Niépce, lo cual suponía un salto enorme en quince años.A partir de este momento Daguerre comienza a trabajar en la mejora del procedimiento químico con el empleo del yoduro de plata y el vapor de mercurio, así como con la disolución del yoduro residual en una solución caliente a base de sal común.De este mismo año es el daguerrotipo más antiguo conocido. Bajo el nombre de Composición nos encontramos ante un bodegón de diversos objetos que presenta una imagen más volumétrica, con mayor profundidad y mejores relieves.Durante los años 1838 y 1839 se dedicó a promocionar el invento por diversos medios como su intento de crear una sociedad de explotación por suscripción pública que fracasó o las operaciones de tomas de vistas realizadas por las calles de París. Gracias a sus actuaciones logró contactar con François Aragó, científico y político liberal, quien en el año 1839 presentó ante la Academia de Ciencias Francesa públicamente el invento.Daguerre logró un reconocimiento unánime por todo el mundo, recibiendo nombramientos de academias extranjeras y condecoraciones francesas y extranjeras, ocultando los verdaderos logros de Joseph Nicéphore Niépce como predecesor de sus investigaciones. Poco a poco la verdad se fue conociendo y finalmente acabó reconociendo las aportaciones de Niépce.
Theo Jansen, La ingeniería y el Arte.
Theo Jansen es un artista y escultor cinético, vive y trabaja en Holanda. Construye grandes figuras imitando esqueletos de animales que son capaces de caminar usando la fuerza del viento de las playas holandesas. Sus ingenios mecánicos son una fusión de arte e ingeniería.
Las barreras entre el arte y la ingeniería existen sólo en nuestra mente
En este vídeo es una breve composición en la que se incluyen una presentación y obra sobre el artista además de la conferencia subtitulada que realizó para el TED (Technology, Entertainment, Design), en la que Jansen explica el modo de supervivencia de sus animales de playa, capaces de detectar peligros como las tormentas, el mar, los cambios de viento o los obstáculos en el terreno.
Theo Jansen es un artista y escultor cinético, vive y trabaja en Holanda. Construye grandes figuras imitando esqueletos de animales que son capaces de caminar usando la fuerza del viento de las playas holandesas. Sus trabajos son una fusión de arte e ingeniería. En un anuncio de BMW, Jansen dijo: "Las barreras entre el arte y la ingeniería existen sólo en nuestra mente"Jansen se dedica a crear vida artificial mediante el uso de algoritmos genéticos. Estos programas poseen evolución dentro de su código. Los algoritmos genéticos se pueden modificar para solucionar variedad de problemas incluyendo diseños de circuitos, y en el caso de las creaciones de Theo Jansen, sistemas muy complejos.Un criterio determinado de aptitud es insertado en el algoritmo; Theo selecciona como criterio que sobrevivan en la playa moviéndose entre las fronteras de arena húmeda cerca al mar y arena seca en el límite con las dunas. Aquellos diseños que tengan el mejor rendimiento en la tarea, dentro de una simulación del entorno, serán hibridados y probados otra vez. Con el tiempo emergen diseños complejos que desarrollan y aletean en la brisa presionando órganos que aparentan botellas plásticas de 2 litros. Brotan también patas articuladas que se desplazan por la arena como las de los cangrejos. Theo usa tubos plásticos para conductos eléctricos para construir algunos de los más prometedores diseños de la computadora. Y luego los suelta en la playa, evalúa sus logros y los mejora.Según su página web (Strandbeest.com):
Desde hace diez años Theo Jansen ha estado ocupado en la creación de una nueva naturaleza. No usa polen o semillas sino tubos amarillos de plastico como material básico de su nueva naturaleza. Fabrica esqueletos que son capaces de caminar en el viento. A largo plazo, quisiera llevar estas creaciones a playas para que vivan sus propias vidas.
Las barreras entre el arte y la ingeniería existen sólo en nuestra mente
En este vídeo es una breve composición en la que se incluyen una presentación y obra sobre el artista además de la conferencia subtitulada que realizó para el TED (Technology, Entertainment, Design), en la que Jansen explica el modo de supervivencia de sus animales de playa, capaces de detectar peligros como las tormentas, el mar, los cambios de viento o los obstáculos en el terreno.
Theo Jansen es un artista y escultor cinético, vive y trabaja en Holanda. Construye grandes figuras imitando esqueletos de animales que son capaces de caminar usando la fuerza del viento de las playas holandesas. Sus trabajos son una fusión de arte e ingeniería. En un anuncio de BMW, Jansen dijo: "Las barreras entre el arte y la ingeniería existen sólo en nuestra mente"Jansen se dedica a crear vida artificial mediante el uso de algoritmos genéticos. Estos programas poseen evolución dentro de su código. Los algoritmos genéticos se pueden modificar para solucionar variedad de problemas incluyendo diseños de circuitos, y en el caso de las creaciones de Theo Jansen, sistemas muy complejos.Un criterio determinado de aptitud es insertado en el algoritmo; Theo selecciona como criterio que sobrevivan en la playa moviéndose entre las fronteras de arena húmeda cerca al mar y arena seca en el límite con las dunas. Aquellos diseños que tengan el mejor rendimiento en la tarea, dentro de una simulación del entorno, serán hibridados y probados otra vez. Con el tiempo emergen diseños complejos que desarrollan y aletean en la brisa presionando órganos que aparentan botellas plásticas de 2 litros. Brotan también patas articuladas que se desplazan por la arena como las de los cangrejos. Theo usa tubos plásticos para conductos eléctricos para construir algunos de los más prometedores diseños de la computadora. Y luego los suelta en la playa, evalúa sus logros y los mejora.Según su página web (Strandbeest.com):
Desde hace diez años Theo Jansen ha estado ocupado en la creación de una nueva naturaleza. No usa polen o semillas sino tubos amarillos de plastico como material básico de su nueva naturaleza. Fabrica esqueletos que son capaces de caminar en el viento. A largo plazo, quisiera llevar estas creaciones a playas para que vivan sus propias vidas.
Alberto Durero, Leonardo de Vinci. La Geometría del Espacio. Autor Jacobo Barozzi da Vignola
PERSPECTIVA CÓNICA
INTRODUCCIÓN
Pensamos, al redactar esta página, en quienes ya están iniciados en los principios básicos de la geometría del plano, habiendo superado esa laboriosa etapa de las construcciones gráficas con la regla y el compás. Omitimos, por ello, esa farragosa literatura narrativa de los procesos, paso a paso, en la ejecución de las figuras, innecesaria para los iniciados, así como los precisos y pulcros trazados, propios de la delineación.
No se trata, por tanto, de un método para aprender perspectiva geométrica, sino de la exposición, fundamentalmente gráfica, de algunas cuestiones de la perspectiva cónica. Son cuestiones y ejemplos espigados del programa que hemos impartido en nuestra actividad docente, centrándonos en los problemas geométricos básicos. Sería un error deducir que esta es toda la materia que, con el nombre de perspectiva, estudian los alumnos de la Facultad de Bellas Artes; faltan importantes cuestiones, que hemos expuesto en otros lugares, como son los fenómenos de la óptica y la percepción visual del espacio, las anamorfosis, la perspectiva esférica, las restituciones, la pintura en paredes, techos rasos y bóvedas, la escenografía, etc.
Nosotros aquí no queremos olvidar, al igual que Gerard Desargues, que pretendemos acercar la geometría al campo de los pintores, allanando ese foso que parece existir entre la ciencia geométrica y la creación pictórica. Es, por ello, que vinculamos esta página a trabajos y referencias de nuestra experiencia en las Cátedras de Perspectiva de las Facultades de Bellas Artes de las Universidades de Madrid y Sevilla.
LA GEOMETRÍA DEL ESPACIO
ORÍGENES
Los diversos teoremas de los matemáticos, en particular este de Gerard Dèsargues (1593 - 1662) nos plantea las propiedades de un nuevo concepto del espacio, muy utilizado intuitivamente por muchos pintores desde el Renacimiento; esta expresión del espacio, basado en la proyectividad y los puntos del infinito, se encuentra a mitad de camino entre las concepciones espaciales de la geometría euclidiana y las topológicas.
Este sencillo, pero fundamental teorema, es la base de la perspectiva cónica que, apoyado en la geometría proyectiva, constituye uno de los más sólidos, bellos y lógicos edificios creados por la mente humana para expresar un espacio tridimensional sobre la superficie del plano. Como dice M. Kline: "En el lugar de las matemáticas hay muchas moradas, y de entre ellas, la más elegante es la Geometría Proyectiva". Y sentencia A. Cayley: "La Geometría Proyectiva es toda la geometría".
TEOREMA DE DÈSARGUES:
Si dos triángulos están en perspectiva desde un punto, y si sus pares de lados correspondientes se cortan, entonces los tres puntos de intersección están alineados. (X-Y-Z)
También:
Si dos triángulos ( A B C abc ) están en perspectiva desde un punto ( O ), entonces están en perspectiva desde una recta ( X Y Z )
Ahora las propiedades entre dos figuras (los triángulos ABC - abc), ya no son de congruencia, semejanza, equivalencia, etc. sino que se trata de propiedades de "colinealidad" (puntos sobre una misma recta) "concurrencia" (líneas que pasan por un punto) y todas las consecuencias de la proyectividad y las secciones planas.
La ilustración que exponemos explica gráficamente que las propiedades del teorema se conservan tanto en el plano como en el espacio.
En este último caso, al constituir cada triángulo un plano diferente, los puntos XYZ, se encuentran en la recta de intersección de ambos planos.
También pueden interpretarse estas propiedades como las secciones planas de la pirámide cuyo vértice es O, y sus aristas OAa, OBb, OCc.
La recta XYZ, lugar de concurrencia de los lados de los triángulos, constituye una recta del infinito, como ocurre en el caso extremo (cuando los triángulos se encuentren en planos paralelos); en este acceso al infinito, como lugares propios de la geometría, estriba la gran originalidad del teorema de Dèsargues para representar el espacio.
LOS ELEMENTOS DE LA PERSPECTIVA CÓNICA
Elementos del sistema cónico de perspectiva Perspectiva cónica de una recta oblicua e inclinada
Basado en los principios del teorema arguesiano se adaptan los elementos a la perspectiva geométrica, la cual, a su vez, establece un paralelismo con el fenómeno visual.
Los dos planos verticales PP (cuadro o plano de representación), PD (plano posicional del espectador), acotan tres zonas del espacio: ESPACIO REAL, ESPACIO INTERMEDIO y ESPACIO VIRTUAL.
El punto V (punto de vista del espectador) es el centro O en el teorema. El Plano horizontal que pasa por este punto, constituye el PLANO DEL HORIZONTE. Su intersección con el cuadro (PP) determina la altura o LÍNEA DEL HORIZONTE. El PUNTO PRINCIPAL (P) es la proyección ortogonal del punto de vista V.
EL PLANO GEOMETRAL es paralelo al horizontal, y representa un plano de referencias métricas. Determinando la recta (LT) línea de tierra, eje XYZ del teorema.
PARALELISMO ENTRE EL SISTEMA GEOMÉTRICO Y EL FENÓMENO VISUAL
1. El espacio real es, como norma general, el lugar donde se encuentran los objetos que vamos a representar, observados con un solo ojo desde V;
2. Los rayos visuales dirigidos a los objetos desde V, son interceptados por el plano PP, produciendo un dibujo perspectivo, punto a punto, de los objetos situados en el espacio real;
3. El espacio intermedio es la zona situada entre el ojo del espectador y el cuadro PP; también es lugar geométrico de ciertas de operaciones auxiliares;
4. El espacio virtual está situado detrás del espectador, y si no es visible por este, sí tiene influencia sobre el espacio real, p.e. un foco luminoso, imagen reflejada en un espejo, proyecciones inversas, etc;
5. El plano geometral representa un suelo ideal y sirve de referencia para cotas y distancias; creando la línea de tierra (LT) o recta doble en su intersección con el plano de proyección PP, y, por ello, con base métrica;
6. El plano horizontal define la línea del infinito geográfico que separa el mar del cielo, y la altura o cota a que el espectador contempla la escena.
Desde el más temprano Renacimiento intuyeron los artistas los principios geométricos de la perspectiva cónica. Basándose en métodos empíricos asociaron los principios de la visión del espacio con las representaciones en perspectiva sobre el plano, creando particulares y originales perspectivas.
Las construcciones espaciales sobre el plano de Uccello, Alberti, Piero de la Francesca, Leonardo, Rafael, Durero o Da Vignola nos testimonian que llegaron a fórmulas felices, mucho antes que el teorema de Girard Desargues estableciera definitivamente el rigor matemático de la geometría proyectiva, que Gaspar Monge, desarrollando su geometría descriptiva, y J.V.Poncelet con su Tratado de las propiedades proyectiva de las figuras, abriesen el camino a los trazados geométricos de la perspectiva cónica.
En la figura que encabeza esta página presentamos un dibujo del Tratado de Perspectiva de Da Vignola, aparecida en 1583. Es fácil asociar los elementos de esta perspectiva al teorema que, un siglo más tarde planteara Desargues, y que no fueron del dominio de los matemáticos hasta mucho tiempo después, cuando una copia hecha por su discípulo Philippe de la Hire, cayó en manos de Chasle, ya en el siglo XIX.
Alberto Durero, 1538
Alberto Durero dejó constancia, tanto escrita como gráfica, de sus conocimientos e investigaciones en el campo de la perspectiva. Este es uno de los variados grabados donde nos muestra sus métodos de perspectiva práctica. Tiene la singularidad de mostrarnos en el grabado un método práctico de dibujar perspectivas del natural, pero le acompaña un trazado geométrico de gran interés, por el que manifiesta la teoría de como realizó el propio grabado: el abatimiento del punto de vista D2, sobre la línea del horizonte, para determinar la diagonal de los cuadrados de su cuadrícula y rejilla, son pruebas evidentes de una geometría descriptiva intuitiva como métodos universales, muy adelantada a su época.
Leonardo de Vinci. Dibujo para la Adoración de los Reyes. 165 x 290 mm. Uffizi, Florencia
Y en este dibujo, donde Leonardo plantea el espacio de fondo para su inacabada Adoración de los Reyes, comenzada en 1481, se puede apreciar que los conocimientos de una perspectiva cónica lineal son del dominio del pintor. Es, ciertamente, un planteamiento frontal, sin grandes dificultades prácticas ni teóricas, pero ya en esas tempranas fechas supone un gran avance científico, al superarse los métodos empíricos y particulares por un ordenado sistema general.
Por estas y por otras muestras de algunos maestros del renacimientos, tenemos la certeza de que, por el camino del empirismo y la intuición, los pintores se adelantaros a los matemáticos en la representación de un espacio tridimensional, con la perspectiva cónica como instrumento, realizando una benemérita labor, no muy bien valorada en el terreno científico.
Puede parecer un anacronismo el plantearnos hoy los fundamentos de la Perspectiva Cónica y sus métodos geométricos de trazado lineal. Es, ciertamente, una tentación omitir, en los aprendizajes de la perspectiva, los laboriosos procesos de delineación que ocuparon muchas horas de nuestra juventud. Las nuevas tecnologías han dado un giro espectacular a los planteamientos de la representación de un espacio sobre el plano. Lo que hace poco constituía enormes dificultades, como el cambio de la escala de un dibujo, la variación del punto punto de vista, la distorsión de unas formas, la inversión simétrica, giros, abatimientos, etc. se resuelven hoy con un simple toque de "ratón". No obstante, quienes logren penetrar por la puerta de la geometría en sus singulares representaciones y transformaciones, habrá cimentado una imaginación lógica para abordar los posibles cambios que el futuro nos depara. ¡Quizás, para el arte, siga teniendo vigencia el texto en la puerta de la Academia de Platón, que rezaba: "No entre aquí quien no sepa geometría".
Documento: http://personal.us.es/jcordero/CONICA/pagina01.htm
INTRODUCCIÓN
Pensamos, al redactar esta página, en quienes ya están iniciados en los principios básicos de la geometría del plano, habiendo superado esa laboriosa etapa de las construcciones gráficas con la regla y el compás. Omitimos, por ello, esa farragosa literatura narrativa de los procesos, paso a paso, en la ejecución de las figuras, innecesaria para los iniciados, así como los precisos y pulcros trazados, propios de la delineación.
No se trata, por tanto, de un método para aprender perspectiva geométrica, sino de la exposición, fundamentalmente gráfica, de algunas cuestiones de la perspectiva cónica. Son cuestiones y ejemplos espigados del programa que hemos impartido en nuestra actividad docente, centrándonos en los problemas geométricos básicos. Sería un error deducir que esta es toda la materia que, con el nombre de perspectiva, estudian los alumnos de la Facultad de Bellas Artes; faltan importantes cuestiones, que hemos expuesto en otros lugares, como son los fenómenos de la óptica y la percepción visual del espacio, las anamorfosis, la perspectiva esférica, las restituciones, la pintura en paredes, techos rasos y bóvedas, la escenografía, etc.
Nosotros aquí no queremos olvidar, al igual que Gerard Desargues, que pretendemos acercar la geometría al campo de los pintores, allanando ese foso que parece existir entre la ciencia geométrica y la creación pictórica. Es, por ello, que vinculamos esta página a trabajos y referencias de nuestra experiencia en las Cátedras de Perspectiva de las Facultades de Bellas Artes de las Universidades de Madrid y Sevilla.
LA GEOMETRÍA DEL ESPACIO
ORÍGENES
Los diversos teoremas de los matemáticos, en particular este de Gerard Dèsargues (1593 - 1662) nos plantea las propiedades de un nuevo concepto del espacio, muy utilizado intuitivamente por muchos pintores desde el Renacimiento; esta expresión del espacio, basado en la proyectividad y los puntos del infinito, se encuentra a mitad de camino entre las concepciones espaciales de la geometría euclidiana y las topológicas.
Este sencillo, pero fundamental teorema, es la base de la perspectiva cónica que, apoyado en la geometría proyectiva, constituye uno de los más sólidos, bellos y lógicos edificios creados por la mente humana para expresar un espacio tridimensional sobre la superficie del plano. Como dice M. Kline: "En el lugar de las matemáticas hay muchas moradas, y de entre ellas, la más elegante es la Geometría Proyectiva". Y sentencia A. Cayley: "La Geometría Proyectiva es toda la geometría".
TEOREMA DE DÈSARGUES:
Si dos triángulos están en perspectiva desde un punto, y si sus pares de lados correspondientes se cortan, entonces los tres puntos de intersección están alineados. (X-Y-Z)
También:
Si dos triángulos ( A B C abc ) están en perspectiva desde un punto ( O ), entonces están en perspectiva desde una recta ( X Y Z )
Ahora las propiedades entre dos figuras (los triángulos ABC - abc), ya no son de congruencia, semejanza, equivalencia, etc. sino que se trata de propiedades de "colinealidad" (puntos sobre una misma recta) "concurrencia" (líneas que pasan por un punto) y todas las consecuencias de la proyectividad y las secciones planas.
La ilustración que exponemos explica gráficamente que las propiedades del teorema se conservan tanto en el plano como en el espacio.
En este último caso, al constituir cada triángulo un plano diferente, los puntos XYZ, se encuentran en la recta de intersección de ambos planos.
También pueden interpretarse estas propiedades como las secciones planas de la pirámide cuyo vértice es O, y sus aristas OAa, OBb, OCc.
La recta XYZ, lugar de concurrencia de los lados de los triángulos, constituye una recta del infinito, como ocurre en el caso extremo (cuando los triángulos se encuentren en planos paralelos); en este acceso al infinito, como lugares propios de la geometría, estriba la gran originalidad del teorema de Dèsargues para representar el espacio.
LOS ELEMENTOS DE LA PERSPECTIVA CÓNICA
Elementos del sistema cónico de perspectiva Perspectiva cónica de una recta oblicua e inclinada
Basado en los principios del teorema arguesiano se adaptan los elementos a la perspectiva geométrica, la cual, a su vez, establece un paralelismo con el fenómeno visual.
Los dos planos verticales PP (cuadro o plano de representación), PD (plano posicional del espectador), acotan tres zonas del espacio: ESPACIO REAL, ESPACIO INTERMEDIO y ESPACIO VIRTUAL.
El punto V (punto de vista del espectador) es el centro O en el teorema. El Plano horizontal que pasa por este punto, constituye el PLANO DEL HORIZONTE. Su intersección con el cuadro (PP) determina la altura o LÍNEA DEL HORIZONTE. El PUNTO PRINCIPAL (P) es la proyección ortogonal del punto de vista V.
EL PLANO GEOMETRAL es paralelo al horizontal, y representa un plano de referencias métricas. Determinando la recta (LT) línea de tierra, eje XYZ del teorema.
PARALELISMO ENTRE EL SISTEMA GEOMÉTRICO Y EL FENÓMENO VISUAL
1. El espacio real es, como norma general, el lugar donde se encuentran los objetos que vamos a representar, observados con un solo ojo desde V;
2. Los rayos visuales dirigidos a los objetos desde V, son interceptados por el plano PP, produciendo un dibujo perspectivo, punto a punto, de los objetos situados en el espacio real;
3. El espacio intermedio es la zona situada entre el ojo del espectador y el cuadro PP; también es lugar geométrico de ciertas de operaciones auxiliares;
4. El espacio virtual está situado detrás del espectador, y si no es visible por este, sí tiene influencia sobre el espacio real, p.e. un foco luminoso, imagen reflejada en un espejo, proyecciones inversas, etc;
5. El plano geometral representa un suelo ideal y sirve de referencia para cotas y distancias; creando la línea de tierra (LT) o recta doble en su intersección con el plano de proyección PP, y, por ello, con base métrica;
6. El plano horizontal define la línea del infinito geográfico que separa el mar del cielo, y la altura o cota a que el espectador contempla la escena.
Desde el más temprano Renacimiento intuyeron los artistas los principios geométricos de la perspectiva cónica. Basándose en métodos empíricos asociaron los principios de la visión del espacio con las representaciones en perspectiva sobre el plano, creando particulares y originales perspectivas.
Las construcciones espaciales sobre el plano de Uccello, Alberti, Piero de la Francesca, Leonardo, Rafael, Durero o Da Vignola nos testimonian que llegaron a fórmulas felices, mucho antes que el teorema de Girard Desargues estableciera definitivamente el rigor matemático de la geometría proyectiva, que Gaspar Monge, desarrollando su geometría descriptiva, y J.V.Poncelet con su Tratado de las propiedades proyectiva de las figuras, abriesen el camino a los trazados geométricos de la perspectiva cónica.
En la figura que encabeza esta página presentamos un dibujo del Tratado de Perspectiva de Da Vignola, aparecida en 1583. Es fácil asociar los elementos de esta perspectiva al teorema que, un siglo más tarde planteara Desargues, y que no fueron del dominio de los matemáticos hasta mucho tiempo después, cuando una copia hecha por su discípulo Philippe de la Hire, cayó en manos de Chasle, ya en el siglo XIX.
Alberto Durero, 1538
Alberto Durero dejó constancia, tanto escrita como gráfica, de sus conocimientos e investigaciones en el campo de la perspectiva. Este es uno de los variados grabados donde nos muestra sus métodos de perspectiva práctica. Tiene la singularidad de mostrarnos en el grabado un método práctico de dibujar perspectivas del natural, pero le acompaña un trazado geométrico de gran interés, por el que manifiesta la teoría de como realizó el propio grabado: el abatimiento del punto de vista D2, sobre la línea del horizonte, para determinar la diagonal de los cuadrados de su cuadrícula y rejilla, son pruebas evidentes de una geometría descriptiva intuitiva como métodos universales, muy adelantada a su época.
Leonardo de Vinci. Dibujo para la Adoración de los Reyes. 165 x 290 mm. Uffizi, Florencia
Y en este dibujo, donde Leonardo plantea el espacio de fondo para su inacabada Adoración de los Reyes, comenzada en 1481, se puede apreciar que los conocimientos de una perspectiva cónica lineal son del dominio del pintor. Es, ciertamente, un planteamiento frontal, sin grandes dificultades prácticas ni teóricas, pero ya en esas tempranas fechas supone un gran avance científico, al superarse los métodos empíricos y particulares por un ordenado sistema general.
Por estas y por otras muestras de algunos maestros del renacimientos, tenemos la certeza de que, por el camino del empirismo y la intuición, los pintores se adelantaros a los matemáticos en la representación de un espacio tridimensional, con la perspectiva cónica como instrumento, realizando una benemérita labor, no muy bien valorada en el terreno científico.
Puede parecer un anacronismo el plantearnos hoy los fundamentos de la Perspectiva Cónica y sus métodos geométricos de trazado lineal. Es, ciertamente, una tentación omitir, en los aprendizajes de la perspectiva, los laboriosos procesos de delineación que ocuparon muchas horas de nuestra juventud. Las nuevas tecnologías han dado un giro espectacular a los planteamientos de la representación de un espacio sobre el plano. Lo que hace poco constituía enormes dificultades, como el cambio de la escala de un dibujo, la variación del punto punto de vista, la distorsión de unas formas, la inversión simétrica, giros, abatimientos, etc. se resuelven hoy con un simple toque de "ratón". No obstante, quienes logren penetrar por la puerta de la geometría en sus singulares representaciones y transformaciones, habrá cimentado una imaginación lógica para abordar los posibles cambios que el futuro nos depara. ¡Quizás, para el arte, siga teniendo vigencia el texto en la puerta de la Academia de Platón, que rezaba: "No entre aquí quien no sepa geometría".
Documento: http://personal.us.es/jcordero/CONICA/pagina01.htm
No hay comentarios:
Publicar un comentario